Театры рядом с метро «Сокольники»

«В каждом наброске, в каждом черновике - Учитель продолжается в своем ученике...»
В индийской философии есть такое понятие как Сансара - это цикл повторяющегося жизненного процесса, который возможен благодаря новому рождению и освобождению от земных страданий.
Это история о том, как в театре Романа Виктюка случился оборот того самого колеса Сансары.
15 ноября в театре Виктюка состоялась новая премьера в 27 театральном сезоне, спектакль « Почти смешная история (Лакейские игры) » в постановке молодого режиссёра Александра Карпушина по пьесе Эмиля Брагинского.
Брагинский известен всем нам как киносценарист и постоянный соавтор Эльдара Рязанова. По его сценариям сняты одни из самых знаменитых советских киношедевров: «Берегись автомобиля!», «Ирония судьбы, или С лёгким паром», «Зигзаг удачи», «Служебный роман», «Старики-разбойники», «Вокзал для двоих», «Гараж», «Забытая мелодия для флейты».
««Лакейские игры» — комедия иного толка, сердитая. Долгие годы унижений и страха превращали людей не только в рабов, но и в лакеев. Лакейство разъедает души, оно, я боюсь, передается по наследству и, как инфекция, поражает тех, кто попадает в ее орбиту.
Когда мы изживем из нашей жизни лакейские игры, и изживем ли?»
Пьеса «Лакейские игры» написана в 1989 году и представляет собой яркий образец социальной сатиры и комедии, которая не утрачивает своей актуальности и сегодня. Это произведение является прекрасным примером того, как можно остроумно и метко критиковать пороки общества, сохраняя при этом гуманистический подход к изображению героев.
Основная идея пьесы заключается в том, что люди, даже оказавшись в сложной жизненной ситуации, могут сохранить свои человеческие качества и не поддаться давлению общества. Автор показывает, как важно иметь нравственные ценности и принципы, которые помогают преодолевать трудности и сохранять свою личность. Даже в условиях тотального контроля над личностью человек может сохранить свои нравственные принципы и человеческое достоинство.
“Лакейские игры” - это произведение, в котором автор умело, сочетает элементы комедии и драмы. В пьесе много комичных ситуаций, которые вызывают смех у зрителя, но в то же время автор не забывает о серьезных и важных темах, таких как старость, одиночество и поиск смысла жизни.
Одним из главных достоинств пьесы является ее яркий и живой язык, который делает ее интересной и доступной для широкого круга зрителей. Эмиль Брагинский умело использует метафоры, аллегории и иронию, чтобы выразить свою мысль и вызвать у зрителя определенные эмоции.
А вот тот шедевр, который поставлен гениальным Александром Карпушиным, обязательно необходимо увидеть в театре Виктюка.
Дом для приема Особо Важных Гостей, в котором происходит действие, в миниатюре представляет человеческое общество. Судьба приводит в этот дом Асю Мартыненко (Анастасия Якушева), победительницу конкурса буфетных работников и кристальной честности человека. Ася не подозревает о том, что на этом «хлебном» месте круг обязанностей, мягко говоря, отличается от привычного ей. На отдых приезжает важный гость Георгий Никитич (Иван Иванович), который пытается ее соблазнить, а потом выясняется, что таким образом Асю проверяли — будет ли она хорошей работницей. «Важная» же персона оказывается инструктором по физкультуре Жорой, а проверки такие — в порядке вещей для каждой из новых сотрудниц. Обиженная девушка решает отомстить, и очень виртуозно.
Директор Дома Крутилина (з.а. РФ Людмила Погорелова), в сговоре с персоналом, принимаются за проверку Аси на честность и порядочность. Не буду углубляться в подробности, пусть у каждого зрителя сложится свое впечатление о постановке.
Хочу уделить внимание сценографии спектакля. Декорации и костюмы были выполнены на высоком уровне, что позволило зрителям полностью погрузиться в мир спектакля и почувствовать себя его частью.
Здесь работа художника - сценографа з.х. РФ Владимира Боера - кто был на спектаклях в Доме Света, знают, насколько там красива сценография спектаклей. Для меня это всегда отдельный пункт наслаждения. Визуально это очень эстетичный спектакль, красота во всех деталях. Дом, наполненный светом, огромные панорамные окна, но при всем своем свете – это дом ловушка для его обитателей. Ловушка, из которой не вырваться, а приходится приспосабливаться к правилам этого дома и выживать в сложившихся условиях. Получится ли? Ответ найдет каждый зритель для себя сам, посмотрев спектакль.
Костюмы созданы совместно Карпушин Александр и Владимир Боер. Здесь я хочу отметить то, что мой восторг от костюмов случился, как только я увидела фото премьерного спектакля на сайте театра.
Женский состав работниц пансионата одет в своеобразные парики и яркие, невероятной красоты платья. Грим женского состава натолкнул меня на мысль, что в образах прослеживаются отсылки к гейшам. Этот вопрос я задала на пресс-подходе после спектакля артистам. З.а. РФ Людмила Погорелова ответила на мой вопрос, что они те, кого увидит в них зритель «месиво женской природы, которая жаждет развлечения, жаждет красоты».
Постановка очень пластична. За пластику в спектакле отвечает Художник по пластике: Ощепков Артур. Актеры постоянно находятся в движении, статичных сцен практически нет в спектакле. Все время в движении. Присутствуют и очень сложные пластические элементы, требующие высокой сноровки и физической стойкости.
На пресс-подходе после спектакля из зала прозвучал вопрос от одного из зрителей, как артистам удается поддерживать такую физическую форму? Актеров в театр принимают только физически подготовленных. В театре все время происходит процесс тренажа и не менее двух раз в неделю у артистов обязательные физические и акробатические тренировки.
Особенно хочется отметить актерский состав, который прекрасно справился со своей задачей. Актеры сумели создать яркие и запоминающиеся образы, которые заставляют зрителя сопереживать и смеяться вместе с ними. Главные роли исполнили: з.а. РФ Погорелова Людмила, Нахапетова Анна, Якушева Анастасия, Подсвирова Анна, Крюкова Владислава, Быкодерова Олеся, Иванович Иван и др. с полным составом спектакля можно ознакомиться на сайте театра.
Это талантливо поставленный, и невероятно глубокий спектакль гениального режиссера Александра Карпушина, молодой возраст которого, является величайшим преимуществом. Потому как впереди еще великое множество его талантливых работ, которыми нам, зрителям еще предстоит восторгаться. Посмотрев ряд спектаклей в постановке Романа Виктюка, я для себя отметила тот факт, что в «Почти смешная история (Лакейские игры)» чувствуется дыхание Романа Григорьевича Виктюка, словно он сам, невидимым нашему глазу светом, ведет Александра Карпушина за руку. И от этого осознания на душе становится тепло и уютно, все-таки в нашем мире все закольцовано. Колесо Сан Сары дало свой оборот. Роман Григорьевич называл актеров своего театра - детьми, а я когда смотрела спектакль - с первой минуты и до последней у меня в памяти всплывали строчки из песни: «Когда меня не станет - я буду петь голосами моих детей и голосами их детей. Нас просто меняют местами. Таков закон Сансары, круговорот людей».
Хочется рассказать вам об этом талантливом молодом режиссере.
Александр Карпушин – выпускник мастерской з. а. РФ Д.С. Бозина в ИТИ им. И. Кобзона. В театре Виктюка это не первая его постановка. Ранее Александр поставил еще несколько спектаклей и один из них «Во всем виноват театр», спектакль, который и сейчас с успехом собирает полные залы в театре Виктюка.
Спасибо режиссеру Александру Карпушину за эту такую глубокую и талантливую работу! «Почти смешная история (Лакейские игры)» - спектакль с очень глубокой философией и очень актуален для нашего современного общества.
Новый спектакль родился! Еще одна новая работа режиссера привела зрителей в восторг. И я точно уверена в том, что «Почти смешная история (Лакейские игры)» будет собирать аншлаги! С Богом!
Это именно тот спектакль, на который хочется возвращаться вновь!

Путешествие в Золотой век Пушкинской поэзии.
«Сказка о рыбаке рыбке», реж. Игорь Неведров.
Продолжая исследовать репертуар театра Виктюка, я добралась и к детским спектаклям. Посмотрела последнюю часть триптиха «Пушкин»: «Сказка о рыбаке рыбке», реж. Игорь Неведров.
Любовь к искусству прививается с малых лет юным зрителям, которые в будущем непременно станут постоянными почитателями театра. В театре Виктюка было выпущено три сказки: «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях», реж. Сергей Захарин, «Сказка о царе Салтане», реж. Сергей Тарасов и «Сказка о рыбаке рыбке», реж. Игорь Неведров. Каждая сказка уникальна тем, что их ставили разные режиссеры и создатели триптиха сами, на время работы над спектаклем, становились детьми.

Зрители, на ближайший час, оказываются на праздничном гулянии – на ярмарочной площади. Парни и девицы начинают появляться из зала: песни, пляски, пластические номера, отовсюду доносятся веселые голоса и постепенно зрителей вводят в «Сказку о рыбаке и рыбке». Перед зрителем разворачивается фольклорно-пластическая сказка.

Сказку А.С. Пушкина «О рыбаке и рыбке» мы помним еще из детства, но о глубоком смысле наверняка многие из нас даже не задумывались. Автор наглядно показывает, к чему может привести неуемная жадность. К сожалению, человеческая сущность такова, что всегда будет мало имеющихся материальных благ. Смысл «Сказки о рыбаке и рыбке» кроется в самом сюжете.
Старик каждый день отправляется к морю, чтобы поймать рыбу. Он привык к такой жизни: тяжелой, однообразной, безрадостной. Но вот в сети старику попадается золотая рыбка, готовая выполнить любые желания только бы старик отпустил её назад в море. Но старик не знает, что попросить у рыбки и просто отпускает её с миром в море. А дальше, дальше начинается самое интересное. И вот здесь задача зрителя извлечь из сказки самое важное – мораль.
Сказка учит малышей ценить то, что имеешь, радоваться жизни, несмотря на сложные жизненные ситуации. На примере старухи показано, что важно не быть потребителем, и что высокомерие и заносчивость не приводит к добру. Непомерная жадность неизбежно приводит к печальным результатам. Материальные блага и место в социуме не принесут счастья, если душа будет оставаться черствой и алчной. С помощью аллегорий автор пытается донести до зрителя, как важно жить в гармонии с внутренним миром и окружающими людьми. Поймать удачу – не самое главное. Важно уметь правильно распорядиться всеми благами, чтобы впоследствии не остаться у разбитого корыта.
Декорации. На сцене мы видим две больших куклы старика и старухи. Золотая рыбка красочная, яркая и привлекает внимание малышей. Каждый актер погружается в образы главных героев сказки и ведет повествование от их имени. Зал заполнятся волшебной энергией и сказочной атмосферой. Энергия – это то, с чем искусно справляются все актеры театра Виктюка. Все внимание зрителя сосредоточено на пластике актеров (Режиссер по пластике: Аносов Владимир).

Причудливая игра света (Художник по свету:Старостин Александр) создает ощущение волшебства, и на несколько мгновений, можно оказаться у самого синего моря и даже погрузиться в морскую пучину, очень яркое и красочное оформление.
Красная ковровая дорожка – элемент богатого царского дворца, причудливый головной убор -корона и даже жемчуга - сквозь декорации и элементы костюмов зритель видит трансформацию старухи. И только у старика один невод и безграничная любовь к своей старухе. Потому что сказка не только о жадности, а о самом важном чувстве – о любви. Старик оставался рядом со своею старухою, не смотря ни на какие обстоятельства. И любил ее и простою, и дворянкой столбовой, и царицею - и когда она вновь осталась у разбитого корыта, старик продолжал любить «свою старуху».
Музыкально оформление спектакля дополняет целостность общей картины.
Костюмы актеров привлекают внимание детей и взрослых. Для себя отметила костюм Алдара Когаева с принтом Романа Виктюка. У меня даже, на какое-то мгновение было ощущение, что сказку рассказывает сам Роман Григорьевич.
Спектакль Игоря Неведрова «Сказка о рыбаке и рыбке» будет увлекателен для всех зрителей – и для детей, и для взрослых. Ведь сказка дарит неограниченные возможности всем. Здесь каждый найдет что-то важное для себя.

Таинство Танго.
Это неординарная и смелая постановка режиссера Игоря Неведрова, которая вызвала во мне бурю эмоций. Танго – спектакль по одноименной парадоксальной пьесе польского сатирика Славомира Мрожека. Не однозначный и глубокий спектакль, пестрящий загадками и многозначными смыслами.
Да и сам Славомир Мрожек - воплощение причудливости и гротеска. Творчество популярного польского писателя всегда относили к театру абсурда.
Основная идея, заложенная в постановке — конфликт отцов и детей. Мы видим старшее поколение, для которого отсутствуют такие привычные для классического общества нормы и ценности.
Семья Артура (Игорь Неведров), погрязла в разврате и пороке, и молодой принципиальный Артур, раздраженный таким отношением к миру, взывает к здравому смыслу и порядку свое семейство бунтарей. Но проблема в том, что они привыкли так жить. Их принцип — отсутствие любых принципов, и иначе они не могут и даже бабушка. Бабушка это главный бриллиант постановки! Шедевральная роль, начиная от внешнего образа и трансформаций практически до финала спектакля. Финальные сцены бабушки – это гениальный режиссерский ход! В первые мгновения спектакля на сцене мы видим, толи того самого фараона из саркофага, толи саму царицу Нефертити (я увидела отсылку именно к этому персонажу). К слову, в саркофаге кружащуюся на карусели бабушку, мы еще увидим ближе к финалу спектакля. Актер Владимир Белостоцкий стал для меня неожиданным открытием. Абсолютно гениальная бабушка в его исполнении! В ходе действа мы все услышим вопрос «Кто вы?», который вначале обращен к героям, а после и в зрительный зал. И вот здесь, я бы очень хотела, чтобы каждый из присутствующих в зале зрителей ответил самому себе на этот вопрос.
Артур же пытается построить принципиально правильный строй в своей семье, все должно быть по четким нормам и правилам. Даже бабушка, собравшаяся умирать, обязана изменить свои планы и прежде благословить Артура и Алю на брак. Но как только Артур достигает своих целей, он снова требует «жить по правилам»: «Здесь уже вообще нет никаких традиций и никакой системы. Одни фрагменты, прах! Вы всё уничтожили и продолжаете уничтожать…»
На первый взгляд все просто и понятно – молодой Артур хочет просто воззвать к здравому смыслу свое семейство, изменить мир к лучшему и исправить "бардак, где ничего не работает, потому что всем всё позволено". Родители Артура – Элеонора (Мария Матто) и Стомил (Станислав Мотырев) дети эпохи хиппи, отчаянные бунтари, которые так и стремятся выразить свой протест. В молодости они это совершали посредством запрещенных танцев, а сейчас бесконечно продолжают играть в карточные игры, которые так не приемлет их сын. Ведь вся семья то и дело проводит за карточной игрой, интригами и другими порочными вольностями. Артур же решает ввести свой строгий порядок, приравнивая свободолюбие семейства к распущенности: «Вы отравили своей свободой поколение до вас и поколение после вас…». Но, как известно, диктатура ни к чему хорошему никогда не приводила, собственно эти последствия мы и увидим в финале спектакля.
Артур же стремительно торопится вернуть традиции и начинает с самого себя. Он хочет жениться на своей кузине Але (Валерия Энгельс) для него самое главное, чтобы все было по правилам. Но в этих правилах он упускает самое важное – любовь. В отместку Аля говорит о том, что изменила Артуру с Эдиком прямо перед свадьбой утром. Сам же Эдик, попутно, еще и спит с матерью Артура. Отец молодого человека не сильно обеспокоен этим досадным событием в своей личной жизни.
Возможно ли хоть как-то привести в сознание деградирующее семейство? Вопрос, ответ на который мы узнаем в финале спектакля, но не слишком ли это высокая цена?!
Декорации (художник-постановщик Владимир Бойер). Гротеск – слово, которое первым возникает в мыслях при виде декораций к спектаклю Игоря Неведрова Танго. На сцене сооружена гигантских размеров карусель и детская горка, перетекающая в песочницу. В песочнице расположился соответствующих размеров саркофаг одного из египетских фараонов, небрежно прикрытый саваном. А сама песочница, в ходе спектакля, легким движением всех артистов, превращается в багетную раму для фото, бережно собирающую в свои рамки всю «классическую» ячейку общества. «Мы пролагали путь в будущее, выходили за пределы нормы…» Для себя я интерпретировала песочницу как рамки, в которых семейство пытается держать себя, но пребывать им там невыносимо тесно и тошно. От того и рвутся, заигравшиеся взрослые дети бунтари, то прокатиться на карусели, то взмыть на горку и скатываются вниз снова в, такие необходимые для всех, рамки социальных норм и правил.
Потрясающие, яркие и необыкновенно красивые костюмы работы художника по костюмам Елены Предводителевой. Образ каждого персонажа – отдельный шедевр. Здесь невозможно выделить какой-то один из костюмов, они все достойны внимания.
Задник сцены тоже «одет» в свой костюм, который бесконечно преображается световыми решениями. На нём фоном через весь спектакль транслируются разъяснения терминов, которые звучат в спектакле, именно там мы увидим и услышим, что же подразумевается под словом «танго», «пергамент» и еще ряд других, не менее интересных терминов, на нём найдется место Адаму и Еве и даже египетским иероглифам.
Здесь мне хочется сказать лишь одно, разрушенные ценности – слишком ненадежный фундамент.
"Танго" – многоплановый материал: странный, смешной и трагичный одновременно, парадоксальный и притягательный своей парадоксальностью, возможностью бесконечного погружения вглубь и бесконечного же количества ответов на вопросы.
Театр Виктюка продолжает каждый день создавать таинство игры между божественным и человеческим началом.

«Мой бедный Марат… Не бойся быть счастливым!»
В Театре Романа Виктюка состоялась премьера спектакля «Мой бедный Марат» по самой пронзительной из пьес Алексея Арбузова (режиссер Александр Тарасов). Пьеса занесена в золотой фонд советской и российской классики. Это пьеса, которая рассказывает историю любви молодых людей и обретения ими цели в жизни. Сложная, многогранная, её нельзя трактовать однозначно. Пьеса написана в 1964 году, но она очень актуальна и в наши дни. Это история о Любви. Любви, которая родилась вопреки голоду, холоду и ужасу войны.

Блокадный Ленинград. Холодная зима 1942 года. Голод, ужас и абсолютно юные и еще не знавшие жизни, подростки смогли сохранить свои лучшие человеческие качества, сквозь весь страх и ужас, который выпал на их юношеские сердца. Нам сегодняшним есть чему у них поучиться. Важно сохранять доброту, гуманность и чистые сердца друг к другу. Режиссер Александр Тарасов очень психологично и осторожно, шаг за шагом постепенно раскрывает перед нами образы героев.
В основе сюжета любовный треугольник. Глубокие душевные переживания героев, постоянная борьба за жизнь и за счастье под звуки несмолкающей воздушной тревоги.
В пьесе Арбузова нет однозначно правых или виноватых героев, здесь каждый прав и виноват в равной степени.
Наивная и смешная кокетливая, хрупкая и звонкая девочка Лика, которая любит творчество Тургенева, встречает гордого Марата Евстигнеева. И случается чудо, между ними рождается огромное и светлое чувство. Которое каждый из них пронесет через всю жизнь. Чувство Марика к Лике настоящее и всепрощающее. «Любовь закрывает глаза на все». На наших глазах герои пройдут свой сложный путь взросления.
Огромная душевная сила Марата, его способность бороться, не смотря ни на что, рваться к цели. Он бесстрашный и деятельный сопротивляется суровым законам жизни, которая вынудила его повзрослеть внезапно. И в этих обстоятельствах его душа не огрубела, а наоборот, она остается детской и ранимой. Он придумывает героические истории о подвигах, которые возможно совершить только в мечтах. Марат сам верит в выдуманные им подвиги и это помогает ему не терять уверенности в себе.
И Леонидик, который явно уступает Марату в характере – слабый, болезненный полная противоположность храброго и рвущегося к подвигам Марата. Леонидик всячески вызывает жалость к себе будоражащим сознание рассказом о матери и приемном отце.
Когда Лика оказывается перед выбором между двумя любящими её мужчинами -Леонидик снова старается вызвать жалость к себе: «Я без тебя пропаду. Ты для меня сестра и мать. Весь белый свет». Эта же жалость будет прослеживаться и во взрослой линии персонажа.
В постановке прослеживается дуальность. Двухуровневая разрушенная ленинградская квартира, где не просто так на втором уровне, еще юные герои проживают свою полную возвышенных мечтаний жизнь, куда пытаются вернуться и уже повзрослевшими. И приземленные повзрослевшие герои на первом уровне, разрушенной войной, квартиры. На сцене мы видим сразу взрослую семейную пару Лику и Леонидика, а дальше сюжет развивается в двух параллельных временных плоскостях - блокада и мирное время, юность и взрослые годы героев.
Молодого Леонидика играет — Константин Авдеев, а взрослого Леонида играет артист, с шикарным и чарующим голосом, Павел Новиков. Лику в юности играет Мария Матто, а взрослую Лику – заслуженная артистка России Екатерина Карпушина. И только Марата (Никита Башков) мы видим в юном возрасте весь спектакль. В памяти Лики он по-прежнему юный 17 летний мальчишка, который рвется к подвигам. Актеры играют очень талантливо и душевно. Перед просмотром я прочитала пьесу Арбузова «Мой бедный Марат» и хочу отметить то, что игра актеров очень пронзительна и кажется, будто герои сошли со страниц пьесы. И перед нами в зале, на мгновение, оказались настоящие Лика, Марат и Леонидик и их история.
В спектакле очень интересная сценография, начиная от декораций и завершая световым и музыкальным сопровождением. Марат в спектакле показан все время в одном возрасте, в отличие от героев Лики и Леонидика, но в диалогах с Маратом отвечает то взрослая, то юная Лика. Своеобразная отсылка к тому, что уже состоявшаяся, взрослая Лика продолжает жить прошлым и прокручивать в своем подсознании диалоги с любимым Маратиком. А в это время любовь и жалость медленно выжигают ее. Лика пытается, но не может себе объяснить, что ею сильнее движет: любовь к Марату или жалость к Леонидику? Она безнадежно живет прошлым, которое утекает словно песок. Песок тоже присутствует в сценах – герои пьют чай и из чайника вместо кипятка сыпется песок – символ безвозвратно уходящего времени.
Декорации. В Доме Света всегда актеры играют в нескольких метрах от зрителя, что имеет немаловажное значение в восприятии действия. Перед нами полуразрушенная комната обычной ленинградской квартиры. На стенах следы разрушений после обстрелов. И застывшие в воздухе фрагменты стен, которые приходят в движение во время воздушных тревог, к слову, вначале я ассоциировала эти фрагменты с льдинами. Дыммашина добавляет реальности картине разрушений, не буду всех подробностей раскрывать, скажу лишь то, что декорации меня очень впечатлили. Это невероятно эстетичная целостная картина. Которая погружает нас в разворачивающиеся события и дает возможность, нам зрителям, прожить, прочувствовать те эмоции, которые проживают герои постановки. А на фоне разрушенной квартиры мы видим необыкновенное пространство с лестницами, уходящими высоко в небо, в небо к своей мечте.
Марат готов оставить свою Лику с Леонидиком, готов отступиться, не смея предавать своего друга… И только Леонидик в этой пьесе счастлив, как мне показалось. Я не берусь осуждать никого из героев, в этой пьесе нет однозначно правых или виноватых героев. Есть жертвенность. Здесь каждый сделал свой выбор, а правильным он в итоге оказался или нет - каждый решит для себя сам. Финал спектакля расставит многое по местам, но свои ли это места…
«Не бойся быть счастливым!» – никогда не поздно обрести свое счастье, открыть для него душу, принять его и просто стать счастливым!
Спектакль Александра Тарасова «Мой бедный Марат» о любви, пронесенной сквозь годы, о важности и ценности отношений. Он заставляет каждого задуматься – кого-то о правильности своего выбора, кого-то – о своей мечте. Но основная философская идея в том, что даже за день до смерти не поздно, жизнь начать сначала.

Спектакль, кричащий о любви! Именно про любовь для меня спектакль «Король Арлекин» в театре Виктюка. Спектакль “Король-Арлекин”, поставленный Романом Виктюком по пьесе Рудольфа Лотара, представляет собой глубокое погружение в мир искусства, психологи, философии и любви. Убийство наследного принца на фоне дворцовых интриг, какой дворец без интриг? Да и вся наша жизнь - сплошная игра.

Спектакль, который Роман Виктюк поставил в свой день рождения 28 октября 2010 года, стал подарком для нас, зрителей. Настоящий подарок для тех, кто любит театр и готов погрузиться в атмосферу изысканных декораций, ярких образов и глубоких мыслей. Пьеса "Король-Арлекин" австрийского драматурга Лотара была впервые поставлена в России Александром Таировым. В 1917 году состоялась премьера спектакля на сцене Камерного театра, но вскоре после нескольких представлений пьеса была запрещена цензорами. С тех пор ни один режиссер не решался обратиться к этому произведению. «Король-Арлекин» вторая в России постановка пьесы Рудольфа Лотара. Постановка этой пьесы запрещена даже на родине автора.
Первое, что привлекает внимание зрителя - это декорации. Пространство сцены стилизовано под спектакль Пины Бауш "Кафе Мюллер". Две огромных фотографии Пины Бауш украшают пространство кафе. На заднике сцены есть и вторая зона, которая визуально очень сильно отличается от пустующего кафе. Яркие ленты-полотна, спадающие из-под потолка, напоминают толи паруса корабля, толи причудливые цирковые полотна воздушных гимнастов. Сценография Владимира Боера всегда оставляет пространство для размышлений и догадок.
Роман Григорьевич посвятил этот спектакль в память о великой Пине Бауш. Его вдохновила одна из ее лучших постановок – балет «Кафе «Мюллер»». Танец одиночества в пространстве, заполненном пустыми стульями, танец самоанализ. И здесь становится понятно, почему первые несколько минут спектакля, актеры перемещаются по сцене в хаотичном танце и громко роняют стулья. Так они отдают честь памяти легендарной немецкой танцовщицы и хореографу, экспериментатору в области современного танца Пине Бауш. Для себя отметила схожесть персонажа незрячей Королевы Гертруды (засл. артистка РФ Людмила Погорелова) с этой легендарной танцовщицей. Её героиня так же глубоко одинока. Во время спектакля очень рекомендую обратить внимание на пластику и движения актрисы и перевести взор на фотографии Пине Бауш на декорациях.
Само же действо начинается спустя несколько мгновений и начинается настолько ярко, что волна восторга захватывает все внимание.

Я люблю спектакли в постановке Романа Виктюка именно потому, что в них сокрыто несметное количество тайн и загадок, которые увлекают с каждым просмотренным спектаклем все больше и больше и хочется посмотреть весь репертуар театра Виктюка.
Влюбленный в Коломбину Арлекин в припадке ревности убивает наследного принца и выдает себя за наследника престола. После смерти короля Арлекин занимает его место, но на самом деле страной руководит его «дядя» Танкред. А королю (пусть и не вполне настоящему) отводится роль жалкой марионетки… Страна остается без наследника короля, и на трон выходит паяц, управлять которым стремится свита. Но Арлекин пытается отстаивать свое право действовать самостоятельно.

befree.ru
РЕКЛАМА
РЕКЛАМА
•
16+

afisha.yandex.ru
Влюбленная в Москву
ваш канал
Спектакль, кричащий о любви! «Король-Арлекин» в театре Виктюка.
Сегодня
Я уже говорила, что театр Виктюка – это источник энергии и волшебства в чистом виде. Волшебство начинается еще задолго до того как зритель занимает место в зале. Я люблю приходить в этот театр заранее, чтобы насладиться его вкусом и пропустить сквозь себя энергию этого невероятного места. Так было и в этот раз. Постановки Романа Виктюка отличаются необычным подходом к режиссуре и яркой эстетикой. Одной из таких постановок является "Король-Арлекин" по пьесе Рудольфа Лотара.

Спектакль, кричащий о любви! Именно про любовь для меня спектакль «Король Арлекин» в театре Виктюка. Спектакль “Король-Арлекин”, поставленный Романом Виктюком по пьесе Рудольфа Лотара, представляет собой глубокое погружение в мир искусства, психологи, философии и любви. Убийство наследного принца на фоне дворцовых интриг, какой дворец без интриг? Да и вся наша жизнь - сплошная игра.

Спектакль, который Роман Виктюк поставил в свой день рождения 28 октября 2010 года, стал подарком для нас, зрителей. Настоящий подарок для тех, кто любит театр и готов погрузиться в атмосферу изысканных декораций, ярких образов и глубоких мыслей. Пьеса "Король-Арлекин" австрийского драматурга Лотара была впервые поставлена в России Александром Таировым. В 1917 году состоялась премьера спектакля на сцене Камерного театра, но вскоре после нескольких представлений пьеса была запрещена цензорами. С тех пор ни один режиссер не решался обратиться к этому произведению. «Король-Арлекин» вторая в России постановка пьесы Рудольфа Лотара. Постановка этой пьесы запрещена даже на родине автора.

Первое, что привлекает внимание зрителя - это декорации. Пространство сцены стилизовано под спектакль Пины Бауш "Кафе Мюллер". Две огромных фотографии Пины Бауш украшают пространство кафе. На заднике сцены есть и вторая зона, которая визуально очень сильно отличается от пустующего кафе. Яркие ленты-полотна, спадающие из-под потолка, напоминают толи паруса корабля, толи причудливые цирковые полотна воздушных гимнастов. Сценография Владимира Боера всегда оставляет пространство для размышлений и догадок.

Роман Григорьевич посвятил этот спектакль в память о великой Пине Бауш. Его вдохновила одна из ее лучших постановок – балет «Кафе «Мюллер»». Танец одиночества в пространстве, заполненном пустыми стульями, танец самоанализ. И здесь становится понятно, почему первые несколько минут спектакля, актеры перемещаются по сцене в хаотичном танце и громко роняют стулья. Так они отдают честь памяти легендарной немецкой танцовщицы и хореографу, экспериментатору в области современного танца Пине Бауш. Для себя отметила схожесть персонажа незрячей Королевы Гертруды (засл. артистка РФ Людмила Погорелова) с этой легендарной танцовщицей. Её героиня так же глубоко одинока. Во время спектакля очень рекомендую обратить внимание на пластику и движения актрисы и перевести взор на фотографии Пине Бауш на декорациях.

Само же действо начинается спустя несколько мгновений и начинается настолько ярко, что волна восторга захватывает все внимание.

Я люблю спектакли в постановке Романа Виктюка именно потому, что в них сокрыто несметное количество тайн и загадок, которые увлекают с каждым просмотренным спектаклем все больше и больше и хочется посмотреть весь репертуар театра Виктюка.

Влюбленный в Коломбину Арлекин в припадке ревности убивает наследного принца и выдает себя за наследника престола. После смерти короля Арлекин занимает его место, но на самом деле страной руководит его «дядя» Танкред. А королю (пусть и не вполне настоящему) отводится роль жалкой марионетки… Страна остается без наследника короля, и на трон выходит паяц, управлять которым стремится свита. Но Арлекин пытается отстаивать свое право действовать самостоятельно.

Главного героя Арлекина играет заслуженный артист Дмитрий Бозин – его Арлекин мечется, пытаясь выбраться из окружающих его интриг. Победит ли Арлекин дворцовых интриганов? Сможет ли доказать самому себе и другим, что он в праве принимать решения?
Спектакль погружает нас в тему власти и взаимоотношений внутри огромной системы, где один человек не может сделать ничего, будь он даже на самой вершине этой власти ему не под силу сломать систему.

Посмотрев этот спектакль, я ощутила невероятную энергетику и живость. Актеры с легкостью вживаются в свои роли и передают эмоции зрителям. Особенно яркими были сцены Арлекина и его преданного друга Панталеоне (Игорь Неведров). Они создали на сцене настоящий фейерверк эмоций и юмора.

Спектакль пестрит невероятной пластикой, гимнастическими номерами на полотнах, трюками с джамперами. Сложно выделить какую-то определенную сцену, которая привлекла мое внимание больше всего. Но мне понравилась невероятно чувственная сцена диалога Арлекина и Коломбины (Анна Нахапетова). Арлекин признается в чувствах своей возлюбленной, но получает отказ. Именно эта сцена пропитана нежностью и трепетной любовью Арлекина к своей возлюбленной.
Еще одна сцена, пробирающая до мурашек - принц Эццо, роль которого исполняет, безусловной красоты и таланта, актер (Станислав Мотырёв) держит в руках воображаемую корону и сам надевает её на свою же голову. В этот момент на сцене царит тревожная тишина… Арлекин, Коломбина и Панталеоне, взобравшись в яркие гимнастические полотна на заднике сцены растворяются в пространстве…
Роман Виктюк в своей постановке не только передал сюжет и эмоции, но и задал зрителям ряд философских вопросов. Он показал, что за маской веселья и смеха могут скрываться глубокие чувства и размышления. Используя активный голос и риторические вопросы, режиссер заставил зрителей задуматься о смысле жизни и истинных ценностях.

В заключение хочется сказать, что спектакль "Король Арлекин" в постановке Романа Виктюка - это настоящее творческое произведение искусства. Он притягивает внимание своей оригинальностью и глубоким смыслом. Рекомендую всем любителям театрального искусства посмотреть этот спектакль и ощутить его магию.

befree.ru
РЕКЛАМА
РЕКЛАМА
•
16+

afisha.yandex.ru
Влюбленная в Москву
ваш канал
Спектакль, кричащий о любви! «Король-Арлекин» в театре Виктюка.
Сегодня
Я уже говорила, что театр Виктюка – это источник энергии и волшебства в чистом виде. Волшебство начинается еще задолго до того как зритель занимает место в зале. Я люблю приходить в этот театр заранее, чтобы насладиться его вкусом и пропустить сквозь себя энергию этого невероятного места. Так было и в этот раз. Постановки Романа Виктюка отличаются необычным подходом к режиссуре и яркой эстетикой. Одной из таких постановок является "Король-Арлекин" по пьесе Рудольфа Лотара.

Спектакль, кричащий о любви! Именно про любовь для меня спектакль «Король Арлекин» в театре Виктюка. Спектакль “Король-Арлекин”, поставленный Романом Виктюком по пьесе Рудольфа Лотара, представляет собой глубокое погружение в мир искусства, психологи, философии и любви. Убийство наследного принца на фоне дворцовых интриг, какой дворец без интриг? Да и вся наша жизнь - сплошная игра.

Спектакль, который Роман Виктюк поставил в свой день рождения 28 октября 2010 года, стал подарком для нас, зрителей. Настоящий подарок для тех, кто любит театр и готов погрузиться в атмосферу изысканных декораций, ярких образов и глубоких мыслей. Пьеса "Король-Арлекин" австрийского драматурга Лотара была впервые поставлена в России Александром Таировым. В 1917 году состоялась премьера спектакля на сцене Камерного театра, но вскоре после нескольких представлений пьеса была запрещена цензорами. С тех пор ни один режиссер не решался обратиться к этому произведению. «Король-Арлекин» вторая в России постановка пьесы Рудольфа Лотара. Постановка этой пьесы запрещена даже на родине автора.

Первое, что привлекает внимание зрителя - это декорации. Пространство сцены стилизовано под спектакль Пины Бауш "Кафе Мюллер". Две огромных фотографии Пины Бауш украшают пространство кафе. На заднике сцены есть и вторая зона, которая визуально очень сильно отличается от пустующего кафе. Яркие ленты-полотна, спадающие из-под потолка, напоминают толи паруса корабля, толи причудливые цирковые полотна воздушных гимнастов. Сценография Владимира Боера всегда оставляет пространство для размышлений и догадок.

Роман Григорьевич посвятил этот спектакль в память о великой Пине Бауш. Его вдохновила одна из ее лучших постановок – балет «Кафе «Мюллер»». Танец одиночества в пространстве, заполненном пустыми стульями, танец самоанализ. И здесь становится понятно, почему первые несколько минут спектакля, актеры перемещаются по сцене в хаотичном танце и громко роняют стулья. Так они отдают честь памяти легендарной немецкой танцовщицы и хореографу, экспериментатору в области современного танца Пине Бауш. Для себя отметила схожесть персонажа незрячей Королевы Гертруды (засл. артистка РФ Людмила Погорелова) с этой легендарной танцовщицей. Её героиня так же глубоко одинока. Во время спектакля очень рекомендую обратить внимание на пластику и движения актрисы и перевести взор на фотографии Пине Бауш на декорациях.

Само же действо начинается спустя несколько мгновений и начинается настолько ярко, что волна восторга захватывает все внимание.

Я люблю спектакли в постановке Романа Виктюка именно потому, что в них сокрыто несметное количество тайн и загадок, которые увлекают с каждым просмотренным спектаклем все больше и больше и хочется посмотреть весь репертуар театра Виктюка.

Влюбленный в Коломбину Арлекин в припадке ревности убивает наследного принца и выдает себя за наследника престола. После смерти короля Арлекин занимает его место, но на самом деле страной руководит его «дядя» Танкред. А королю (пусть и не вполне настоящему) отводится роль жалкой марионетки… Страна остается без наследника короля, и на трон выходит паяц, управлять которым стремится свита. Но Арлекин пытается отстаивать свое право действовать самостоятельно.

Главного героя Арлекина играет заслуженный артист Дмитрий Бозин – его Арлекин мечется, пытаясь выбраться из окружающих его интриг. Победит ли Арлекин дворцовых интриганов? Сможет ли доказать самому себе и другим, что он в праве принимать решения?

Спектакль погружает нас в тему власти и взаимоотношений внутри огромной системы, где один человек не может сделать ничего, будь он даже на самой вершине этой власти ему не под силу сломать систему.

Посмотрев этот спектакль, я ощутила невероятную энергетику и живость. Актеры с легкостью вживаются в свои роли и передают эмоции зрителям. Особенно яркими были сцены Арлекина и его преданного друга Панталеоне (Игорь Неведров). Они создали на сцене настоящий фейерверк эмоций и юмора.

Спектакль пестрит невероятной пластикой, гимнастическими номерами на полотнах, трюками с джамперами. Сложно выделить какую-то определенную сцену, которая привлекла мое внимание больше всего. Но мне понравилась невероятно чувственная сцена диалога Арлекина и Коломбины (Анна Нахапетова). Арлекин признается в чувствах своей возлюбленной, но получает отказ. Именно эта сцена пропитана нежностью и трепетной любовью Арлекина к своей возлюбленной.

Еще одна сцена, пробирающая до мурашек - принц Эццо, роль которого исполняет, безусловной красоты и таланта, актер (Станислав Мотырёв) держит в руках воображаемую корону и сам надевает её на свою же голову. В этот момент на сцене царит тревожная тишина… Арлекин, Коломбина и Панталеоне, взобравшись в яркие гимнастические полотна на заднике сцены растворяются в пространстве…

Роман Виктюк в своей постановке не только передал сюжет и эмоции, но и задал зрителям ряд философских вопросов. Он показал, что за маской веселья и смеха могут скрываться глубокие чувства и размышления. Используя активный голос и риторические вопросы, режиссер заставил зрителей задуматься о смысле жизни и истинных ценностях.

В заключение хочется сказать, что спектакль "Король Арлекин" в постановке Романа Виктюка - это настоящее творческое произведение искусства. Он притягивает внимание своей оригинальностью и глубоким смыслом. Рекомендую всем любителям театрального искусства посмотреть этот спектакль и ощутить его магию.

Сможет ли Арлекин сберечь свою любовь к Коломбине? Сможет ли он остаться самим собой, сохранить свою жизнь в сетях интриг? Приходите посмотреть эту историю в театр Виктюка. Я обязательно приду еще раз на этот спектакль!

В далеком 2006 году гениальный театральный режиссер Роман Виктюк, ставивший по одному спектаклю к своему Дню Рождения, отметил свое 70-тилетие аж двумя спектаклями – в своем театре он возобновил «Служанок», а в антрепризе - малоизвестную у нас комедию польской беллетристки Габриэли Запольской «Масенькие супружеские преступления» (но играли в ней актеры ТРВ).
Так как я стала фанаткой этого театра лишь в 2012 году, то этот спектакль, очень быстро по каким-то неведомым мне причинам, сошедший с подмостков, прошел мимо меня.
И вот в прошлом году замечательный режиссер Андрей Боровиков, много лет проработавший незаменимым ассистентом Мастера, возобновил эту его постановку, немного изменив ее название. Теперь это «Масенькие супружеские игры»
Мне попалось на глаза интервью Романа Гигорьевича, которое он дал практически сразу после премьеры.
В нем он рассказывает, чем привлекла его пьеса одной из наиболее почитаемых драматургесс Польши.
Кстати, согласно легенде – Габриэль Запольская попросила Виктюка поставить свою пьесу, когда он пришел к ней на кладбище… Не удивляйтесь - Ее могила находится на старом львовском кладбище, а Виктюк родом из Львова.
Итак, легендарный режиссер считает, что в «Скизе», как называется пьеса в оригинале - предугадан весь психоанализ ХХ-го века.
Скиз - это такая карта в карточной игре, которая, если попадает тебе в руки, то ты выигрываешь. Как джокер.
В пьесе Запольской таким джокером выступает молодая кровь.
«Герои ее пьесы – немолодая супружеская пара. Герой влюбляется в девушку, а героиня – в юношу. И они делают это… неоднократно. Тем самым, через это приобщение к свежей крови, сохраняя свои старые чувства живыми. Этот секрет не нов, его знали многие. Юная кровь дает омоложение старой, позволяет вернуть ощущение новизны и свежести бытия» (из интервью Виктюка).
Итак, главные действующие лица пьесы – две супружеские пары.
Мушка (Анастасия Якушева) и Витольд (Дмитрий Малашенко) – молодожены, а Лулу (Людмила Погорелова) и Анатоль (Олег Исаев) близки к серебряной свадьбе.
Примечательно, что Андрей Боровиков возобновил спектакль с тем же актерским составом, что и в 2006 году!!!
Правда, Мушкой у меня была другая актриса (не менее прекрасная и тоже с замечательными вокальными данными), но и Анна Подсвирова по-прежнему ее играет.
Наконец-то я увидела на сцене красавца Дмитрия Малашенко!
Они с Игорем Неведровым, такие непохожие ни внешне, ни по темпераменту, играют одни и те же роли. Так, после ухода Дмитрия из ТРВ на роль Есенина в спектакле «Сергей и Айседора» ввели Игоря. А в этом спектакле оба в составе играют Витольда.
Как всегда у Виктюка задействована и красивая мужская массовка. Здесь они названы Дворецкими и в их роли выходят на сцену Игорь Теснин, Кирилл Шендеров, Алексей Галкин и Ян Латышев (сколько новых лиц!)
На их долю выпало быть и домашней прислугой, и купальщиками в полосатых костюмах (не у одной меня при их появлении возникла ассоциация с путти), и гостями на маскараде…
Смотреть на пластический рисунок их роли – сплошное удовольствие – режиссер по пластике Владимир Аносов прекрасно знает свое дело (одни выкрутасы на шесте чего стОят!)
Как и художник-сценограф Владимир Боер и художник по свету Сергей Скорнецкий, оформившие с Виктюком не один спектакль.
У них, как всегда, все продумано до мелочей.
Мой любимый Олег Исаев прекрасно изобразил немолодого ловеласа, который не прочь приударить за молодой красоткой, но … на решительные шаги, отнюдь, не готов.
А теперь начну петь дифирамбы Людмиле Погореловой. Я бы назвала этот спектакль ее бенефисом – как бы не были в нем хороши остальные исполнители, все зрительское внимание приковано к ее Лулу.
Актриса обладает таким шармом и может с помощью одной только интонации столько оттенков своей роли передать, что каждый раз просто диву даешься!
А в этом спектакле в уста ее персонажа еще и заложены все основополагающие догматы, главный из которых Лулу произносит в конце спектакля - «Лучше муж молодой и свой, чем старый и чужой».
Спектакль «Масенькие супружеские игры» – очень вкусный коктейль, намешанный из ирoничнoгo и тoнкoгo, смешнoгo и мудрoгo…
И посмотрела я эту незамысловатую, на первый взгляд, семейную комедию с превеликим удовольствием!

"...Мы - без дepьмa, мы - без костей,
А там людские страсти,
Любимая - из всех страстей,
Поползать перед властью.
Итак уже из века в век,
Он первый из кривляк,
Посмотришь - вроде человек,
А поползет - червяк..."
В. Гафт

Как говорится, все новое - хорошо забытое старое. Подтверждение этому можно найти много в чем, и в том числе в литературе. Приведу примеры из как раз недавно просмотренного мной. "Орфей спускается в ад" Уильямса - современная версия древнегреческого мифа, тургеневский "Степной король Лир" и "Коварство и любовь" Шиллера - обновленные шекспировские "Король Лир" и "Ромео и Джульетта". Вечное - вечно!

Еще один спектакль в Театре Романа Виктюка - "Коварство и Любовь", который я посмотрела следом за "Орфеем". Но на сей раз режиссер - сам Роман Виктюк, и это еще одно великое наследие, которое он оставил своим благодарным зрителям. История о любви, коварстве, предрассудках, рассказанная под рок-музыку. История, в которой козни Вурма не имеют противодействия, в которой зло одерживает победу над добром. Спектакль не просто смотрится, он врезается острыми лезвиями, оставляя неизгладимые впечатления. Пронзающе громкие хлопки металла, музыка разрывает пространство. А когда сцену накрывает тишина, каждый зритель слушает, затаив дыхание, словно надеется услышать биение разбитых сердец героев спектакля. Резко, мощно, бескомпромиссно.

Картинка спектакля черно-белая, мир на сцене разделен на черное и белое, на добро и зло. Текст Шиллера очень интересно и удачно дополнен специально написанным для спектакля Валентином Гафтом стихотворением про червей. Благодаря ему становится очевидно, почему Вурм приобрел облик человека, исполнив свой хитрый и подлый план. И в целом, очень сложное и очень сильное противопоставление людей, насаживающих червей живьем на крючок, и червей, поедающих плоть людей после смерти. Стихотворение это не читают, его поют Дмитрий Бозин и Стас Мотырев, демонстрируя свою пластику, извиваясь, словно черви, и язык тел так же превосходно дополняет постановку. Впрочем, и все реплики в спектакле произносятся гипнотизирующим напевом. Декорации для постановки - металлические: скос тяжелых дверей, они же - гильотины; решетчатые трибуны, они же - изгороди и клетки. И музыка, громом раскалывающая пространство, подобрана столь же тяжелая, в одной из композиций я узнала Рамштайн. Вурм (wurm) с немецкого переводится как червяк, немецкая музыка, - не к Третьему ли рейху сделал отсылку Роман Виктюк? В противовес земной тяжести с потолка свисают две легких ткани - белая и черная, но их значение я не очень поняла, как и не поняла, почему Вурм поменял костюм с черного на белый практически уже перед трагическим финалом. Что это за игра в шахматы, где черные фигуры, "съедая" белые, сами становятся белыми?

Помимо прочего, роль Вурма исполняли заезды этого театра - Дмитрий Бозин и Стас Мотырев. Недаром в процессе знакомства с Театром я увидела в Мотыреве достойного последователя Бозина. Как единое целое - два шикарных талантливых актера с точеными торсами, пластичные, харизматичные, в оригинальных костюмах - они, олицетворение мужской красоты, искуса и зла, притягивали взгляды зрителей. Да, я не оговорилась - Вурма изображали сразу два актера, и это, по моему мнению, несет в себе сразу несколько смыслов. Две части одного целого - червь, разрубленный пополам, но лишь размножившийся, а не погибший. Он же - темный многоликий персонаж, существо с двойным дном. И, наконец, в этом прослеживается двойная мощь темной стороны. Хочется также отметить Леди Мильфорд в исполнении великолепной актрисы Анны Нахапетовой. Очень мощная энергетика, один из сильнейших персонажей постановки.

Описывать этот шедевральный спектакль можно долго, но лучше все увидеть своими глазами. Лично мне он впечатался в память навсегда, как, впрочем, и многие другие постановки Театра Романа Виктюка. Из Театра уходишь заряженный тем электричеством, которое буквально искрит на сцене от взаимодействия актерской игры, движений, мимики, речи, музыки, костюмов, декораций и света. А главное - перед спектаклем сделайте глубокий вдох, потому что выдохните вы только когда вновь зажжется свет в зале. Браво!

И каждый раз, вновь и вновь, смотря спектакли в театре Виктюка, мне хочется разгадывать его метафоры, терять голову и чувствовать…
Спектакли, поставленные Романом Виктюком – сложные, захватывающие и интересные, их хочется впитывать и чувствовать всем телом. Для меня театр Виктюка – это в первую очередь поток энергии в чистом виде.
Спектакль по пьесе Шиллера о трагичной любви юной Луизы и аристократа Фердинанда - пластически и музыкально выразительная постановка полная ассоциаций и пробуждающая желание разгадывать заложенные режиссером смыслы.
Влюбленная пара пытается сохранить свои чувства сквозь интриги и козни, у них есть только светлое чувство, которое они питают друг к другу. Справятся ли они с внешними обстоятельствами, смогут ли сохранить то светлое, что есть между ними двумя или «разделятся», словно вурм? Шиллер написал трагедию о любви, где влюбленные оказались жертвами коварства. Режиссер Виктюк, в своем спектакле показывает, что жизнь без этого светлого чувства бессмысленна, пуста и нет смысла следовать навязанным идеям других людей. Он проводит анализ любви между мужчиной и женщиной, между родителями и детьми. Здесь нет места для привычного романтизма Шиллера, здесь о любви без прикрас, о цинизме и подлости мира, об искушении предательством, о том, как низшие инстинкты разъедают сердца и души и превращают людей в агрессивных, безжалостных животных, лишенных сострадания и веры.
Луиза и Фердинанд начинают терзаться сомнениями, внутренняя целостность их пары нарушается и каждый из них допускает роковую ошибку…
Декорации: на сцене мы видим ряд дверей тюремных камер, которые символично нечто схожее с капсулой-гробом, они образуют острые наклоненные лезвия гильотины, а в самом центре сцены сооружена, огромных размеров гильотина, лезвие которой возведено и готово мгновенно прийти в действие и разрубить человека пополам, словно дождевого червя. А развевающаяся под колосниками белая и черная сорочки, поочередно накрывают героев, словно саван, укутывая то в темные энергии, то в жертвенные, поглощая все вокруг.
Давайте вспомним, какой символизм несет дверь? Это символ перехода, символ развития ситуации и трансформации. Персонажи пьесы, постоянно проходят сквозь символические грохочущие двери, некоторые застревают в них и бьются в конвульсиях, кто-то и вовсе не может выбраться, но каждый претерпевает неизбежную трансформацию.
В постановке Романа Виктюка герой Вурма разделен на две части - он двуличен, способен существовать, выживать и приспосабливаться к любым обстоятельствам. Они управляют самыми низкими инстинктами человеческих желаний, словно червь, они пробираются внутрь человека и начинают поедать его мгновенно видоизменяя облик человека, делая его алчным, ненавидящим все и всех вокруг и жаждущим власти и идущего напролом к той самой власти.
Вся постановка пестрит символами расщепления и раздвоения, социального неравенства (любовь дочери музыканта и сына президента)– это прослеживается и в костюмах, где преобладает только черный и белый цвета, и в ролях актеров - Вурма исполняют два актера, Дмитрий Бозин и Станислав Мотырев. Раздвоение прослеживается и в костюмах. К слову, стильные костюмы актеров очень напоминают коллекцию дизайнера Рика Оуэнса - острые плечи, обнаженные торсы и черно-белая цветовая гамма. Мой внутренний эстет ликует от совершенства всей сценографии спектакля.
Музыкальное оформление спектакля делает целостной всю картину постановки, в нем есть место и Рамштайн и Маррика Рекк–In der Nacht и Michael Jackson - Got To Be There, которую я продолжала напевать еще несколько дней после просмотра спектакля.
В этом спектакле я открыла для себя талантливого актера Игоря Неведрова, до сего момента знакома была только с его режиссерскими работами.
Тем, кто еще не успел посмотреть «Коварство и любовь» в театре Виктюка – почитайте перед просмотром пьесу Шиллера.
Подводя итог просмотра спектакля «Коварство и любовь» в театре Романа Виктюка хочется сказать, что для меня, в первую очередь, это эстетически красивое действо – совершенная пластика, магическое владение голосом, актеры с внешностью, то ли атлантов, то ли греческих богов - это эстетическое совершенство. Яркая театральная манера Виктюка не оставит равнодушным никого.

В год юбилея Владимира Маяковского - 130 лет со дня его рождения, Театр Романа Виктюка представил спектакль «Баня», основанный на одном из самых знаменитых произведений поэта.
Карикатурный, перевёрнутый мир бюрократической машины в режиссуре Сергей Захарин предстанет увиденным глазами самого Маяковского, роль которого исполнил Дмитрий Бозин.
Персонажи пьесы «Баня» соорудили машину времени, на которой решили отправиться в 2030 год…

А мы теперешние находимся за 7 лет до описанных событий в пьесе Владим Владимыча Маяковского «Баня». Это такая машина времени, в которой не только персонажи являются путешественниками, а и мы, фактически, мы сегодняшние смотрим на них, очень интересный поворот.
Спектакль «Баня», основан на одном из самых знаменитых произведений поэта.

«Баня» - одно из самых знаменитых произведений поэта, написана в 1929—1930 годах. Общество встретило «Баню» чрезвычайно резкой критикой. Спустя некоторое время произошло роковое событие и с самим автором пьесы. «Баня» значима в творчестве Маяковского. Эта пьеса вошла в золотой фонд советской комедиографии, и сам Владим Владимыч Маяковский говорил о ней: «...хочется дать, особенно в эпоху пятилетнего строительства, дать не только критикующую вещь, но и бодрый, восторженный отчет, как строит социализм рабочий класс».

Именно этим «восторженным отчетом» и одновременно сатирическим произведением стала «Баня». В идею «Бани» положена - борьба нового со старым, мешающим нашему движению вперёд, борьба за самокритику, за нового человека - творца, строителя. Высмеивает общественные пороки того времени — бюрократизм, приспособленчество и пустословие. И каждый герой «Бани» является представителем определенного социального типа. Также важной составляющей образов героев является фамилия каждого из героев: Победоносиков, Чудаков, Оптимистенков, Мезальянсова и другие. Говорящая фамилия «Победоносиков» с корнем «победа» подчеркивает, что он не любит поражений, но он все-таки не «Победоносцев», а всего лишь «Победоносиков» - победы его ничтожны, мелки и кроме него самого они никому не нужны. Да и его должность не более значима: «главный начальник по управлению согласованием» (главначпупс) лишь отражает ее бюрократическую ненужность.

Еще задолго до того как персонажи «Бани» предстанут перед нами, Маяковский (засл. артист Дмитрий Бозин) наблюдает за собирающимися в зале зрителями, с театральных колосников. Потрясающая идея режиссера Сергея Захарина добавить в действо самого поэта Маяковского, который наблюдает за разворачивающимся действом и отправляется вместе с персонажами своей пьесы в 2030 год... Сбылись ли его мечты там, в 2030?

Спустя несколько мгновений начнется действо, и зрители отправятся в удивительное путешествие на машине времени, которую соорудил Чудаков, увидят гостью из далекого 2030 года - Фосфорическую женщину, которая прибыла к ним всего лишь на 24 часа.

Спектакль премьерный, ему еще предстоит «обрасти» встать на ноги. Спектакль очень красив визуально и в этом заслуга художника Юлии Коротковой. Сценография спектакля - минимализм. В ней перемешана поэзия и внутренние ощущения Маяковского в период, когда он писал «Баню». На сцене мы видим коробки, из которых появляются персонажи бани – это отсылка к бюрократической машине. В конце постановки коробки рухнут, и Победоносиков окажется под жерновами, своей же бюрократической машины. Маяковский особенно ярко выразил свою точку зрения – всем известно, каковым было его отношение к мещанам и бюрократам, эта тема занимала его на протяжении всего периода его творчества. Он высмеял все то, что препятствовало развитию государства и мешало расцвету страны.

И Фосфорическая женщина (Виктория Савельева) отбросит весь этот ненужный балласт. Появление именно этого персонажа в постановке невероятно красивое действо! Очень рекомендую, когда будете смотреть спектакль, обратить внимание на общую картину появления Фосфорической женщины, там есть отсылка к мировому шедевру и это божественно красиво!

Особенно хочется отметить световое оформление спектакля - свет играет очень большую роль в этом спектакле – он, словно, еще один участник всего действа, живой организм.
Музыкальное оформление спектакля подготовила Людмила Платонова – потрясающая музыка, ее просто необходимо услышать и о музыкальном оформлении хочется сказать, что совпало все – и музыка и свет и визуальная составляющая спектакля. О таких постановках говорят – все к месту.

Спектакль сделан на высоком профессиональном уровне. Актеры не просто играют, они живут и получают удовольствие от того, что происходит на сцене. А зрители в зале реагируют восторженно, и с каждым мгновением хочется впитывать в себя действо.
Завершается пьеса вопросом Победоносикова, обращённым ко всем, в том числе и зрителю: «Что вы этим хотели сказать, — что, такие как я и вроде не нужны для коммунизма?!».

И искренне хочется, чтобы спектакль зажил своей жизнью! Ведь премьера говорит нам о том, что «ребенок родился», а дальнейшее зависит от многих факторов, он будет расти, развиваться, набираться сил и опыта и займет свое место в ожерелье репертуара театра Виктюка!