Спектакли в Москве

Детский спектакль "Морской царь и Василиса Премудрая" стал еще одним любимым спектаклем в моей копилочке. Во многом, конечно, благодаря режиссуре Михаила Мизюкова и бесподобному исполнению ролей актерами театра. Самыми мои любимыми героями стали Щука Остудовна (Дарина Строчкова) и Сом Карпыч (Николай Антропов), они были такими смешными, пока были слугами Морского Царя, что смеялись и дети, и взрослые. Карпыч очень смешно стоял и ходил, и он постоянно булькал, из-за чего Морской Царь (Сергей Васильев) постоянно выходил из себя, веселя зрителей. Ивана-царевича привычно играл Андрей Безымянный, и кого-то другого на месте добрых молодцев я уже не представляю. Зато Василису в этот раз играла Виталина Отраднова. Мне очень нравится ее миниатюрность, женственность и теплота улыбки и взгляда, которые прекрасно подчеркивают воплощения положительных героев. Немудрено, что Иван после песни Василисы на свадебном торжестве с обманщицей Щукой, несмотря на чары, сразу же вспомнил свою возлюбленную. Очень милая и добрая сказка, полная чудес. Здесь и Царь (Антон Чудецкий) с Царицей (Ольгой Моховой-Чудецкой) наконец были награждены ребеночком, и в итоге его не потеряли в морском царстве. Здесь и Морской Царь хорошего зятя обрел. Здесь и Иван в выигрыше со всех сторон остался. И да, конечно же, как и всегда, ему все вокруг помогали, и прежде всего - юные зрители.

Теперь у меня такая привычка - тихонечко посматривать по сторонам во время и после детских спектаклей. Мне стало важно убеждаться, что я не единственный взрослый человек, получающий восторженно-детское удовольствие от увиденного. Просто мне и самой уже странно, что я так часто стала ходить на детские спектакли. Ну вот люблю я русские народные сказки, да и сам Историко-этнографический театр уже очень люблю, знаю всю труппу. Смотришь любой спектакль и ощущаешь тепло, даже от ролей третьего плана, которые исполняют любимые актеры. И каждый раз меня восхищают русские костюмы, всегда разные, всегда такие красивые, всегда выполненные аккуратно до мельчайших деталей. И простые, но интересные декорации, которые в сочетании с грамотной работой со светом всегда становятся очень красочными, объемными, и будто бы оживают. Особенно интересно, как здесь в сказках оживают всякие предметы, которые в реальной жизни оживать не должны. Досматриваешь сказку - и хочется еще одну посмотреть, что же здесь за магия такая?

Спектакль "Как француз Москву брал" в Историко-этнографическом театре - один из самых трогательных и необычных. В описании сказано, что идея пришла в голову режиссеру Михаилу Мизюкову, когда он увидел черно-белую фотографию позапрошлого века, на которой пожилые ветераны выстроились в ряд на фоне здания Измайловской Николаевской военной богадельни. Спектакль основан на различных документальных материалах, связанных с событиями Отечественной войны 1812 года. Я искала эту фотографию, но не нашла, зато нашла другую, сделанную в конце XIX века в той же военной богадельне, но посреди большой комнаты с казарменным убранством. Я прикрепляю ее со своими фотографиями спектакля.

Я живу на востоке Москвы, знаю и люблю уютное Измайлово, чья история невероятно интересная и очень насыщенная. Но рассказывать ее сейчас целиком нет необходимости, ведь речь пойдет не совсем о ней. Сейчас достаточно знать, что усадьба Измайлово, царское село, где отец Петра I выращивал финики и виноград, а Петр I управлял своим первым ботиком в потешных боях, во времена Николая I стала домом для нуждающихся инвалидов войн. Дальнейшая речь пойдет об Измайловской Николаевской военной богадельне, которая появилась 19 марта 1850 года благодаря прогрессивному проекту архитектора Константина Тона. Ветераны жили в больших палатах на 25 человек и по мере сил принимали участие в хозяйственной деятельности богадельни. От работы освобождались только увечные и престарелые. Позже, на средства купцов возвели семейный корпус, и в богадельне появились нуждающиеся с семьями. В уставе богадельни говорилось: "Воинские чины, призреваемые в сей богадельне, имеют одну обязанность - вести себя хорошо."

Сюжетная линия формируется вокруг одной комнаты в богадельне, где старики, изредка навещаемые дальними родственниками, сослуживцами и друзьями, доживают свою некогда героическую жизнь. В один из таких приездов вдова основателя богадельни (Наталья Михеева) просит их поучаствовать в концерте памяти, который устраивается для молодых. Несмотря на возраст и старые травмы, да и на страх перед сценой тоже, не привыкшие отступать перед трудностями закаленные вояки, соглашаются и решают разыграть пьесу "Как француз Москву брал". Они объединяются, собирают реквизит и костюмы, раздают роли адъютанта, генерала, коленкура, доктора, Потемкина и, конечно, Наполеона, ради которого исполнитель роли даже сбривает бороду. Постановка построена на моем любимом приеме "театр в театре", который не только щекочет воображение зрителя, но и открывает режиссеру дополнительные грани для творчества. В какой-то момент Михаил Мизюков стирает границу между спектаклем своим и представлением, организованным вдовой. Когда на поклонах один из актеров, который по сценарию парализован полностью, так и не встал из инвалидной коляски, минутный ступор наступил даже у меня, прекрасно знающей, что это лишь часть постановки.

На 2.5 часа сцена Историко-этнографического театра с Дмитрием Колыго, Виктором Юрченко, Даниилом Люосевым, Антоном Чудецким, Николаем Антроповым, Сергеем Васильевым, Виктором Присмотровым стала ожившей фотографией, от которой веет стариной и ужасной тоской. Два ряда металлических коек и невероятные истории, вот и все, что осталось у отважных защитников нашей великой Родины от французов. Когда послушницы исполняли с призреваемыми песню, сдержать слезы было невозможно. Песни многоголосьем и так, чтобы обязательно тронуло, непременно до слез, - это уже фирменный знак Михаила Мизюкова. А иначе про Россию и нельзя. Закончился спектакль, закрылся занавес, а перед глазами так и остался образ держащих гордую осанку старых вояк, застывших, словно для того, чтобы стать той самой старой черно-белой фотографией.

Dinnеr-thеаtre или тeaтр в pecтоpaне:

Неспешно пережевывая вкусные блюда из меню ресторана «Петрович», которые можно заказать до начала действия или уже по ходу (официанты снуют туда-сюда постоянно) и потягивая напитки, вы будете следить за развитием событий в этой не совсем обычной семье, о которых, несмотря на трагикомизм происходящего, актеры рассказывают с большой долей юмора.
По ходу действия Константин Мацан со своей замечательной группой будет исполнять для вас прекрасные песни, а на большом экране будут демонстрировать какие-то события из жизни героев (мне, с моего места, к сожалению, было не видно, что именно).
Но, основная часть действия – это монологи и диалоги персонажей. Подчас забавные, подчас – философские, потому что часть текста режиссеру наговорил протоиерей Андрей Ткачев (он автор прозвучавшего в спектакле весьма интересного монолога Гриши Фабержевича о paзделeнии людeй a мух и пчeл в зaвисимocти от их отнoшения к жизни).
Так что у вас будет возможность и вдоволь посмеяться, и, если будет желание, о многом в своей жизни задуматься...

Мы с ребенком впервые побывали в Русском духовном театре "Глас". Это уникальный театр созданный в 1989 г. и поддерживающий русскую православную культуру. В основе его репертуара - русская классика, но с не меньшим успехом на сцене идут и пьесы современных авторов.

Мы попали в театр на Пасху, поэтому решили посмотреть спектакль приуроченный специально к этому дню - "Пасха на Вятских увалах".

События с героями этой истории происходят накануне праздника: вот бабка с дедкой разбивают золотое яичко, а вот служивый солдат возвращаясь домой заходит на пасхальную ярмарку и затевает там спор: кто человеку на жизнь даёт - Бог, или он сам зарабатывает?

Яркие русские народные костюмы, теплые деревянные декорации, веселые танцы, музыка, а ещё мудрые напутствия и интерактив с детьми, которым так же после спектакля подарили конфеты!

Пушкин, на мой взгляд, личность неоднозначная, впрочем, как и многие другие великие гении. Тем интереснее было поразмышлять на тему его юношества. Ведь юношество - это период формирования личности, черты которого определяют множественные факторы, начиная с близкого окружения и заканчивая политической ситуацией в мире и в стране. Так как же озорной мальчик стал величайшим национальным русским поэтом? Что творилось в его душе, что происходило в его жизни? Спектакль "Ученик лицея" режиссера Михаила Мизюкова по одноименной пьесе Андрея Платонова, поставленный в Историко-этнографическом театре, это попытка заглянуть в юношество великого русского поэта, понять, что творилось в мыслях и сердце талантливого лицеиста.

Непослушные кудри на голове, вспыльчивый характер, веселый нрав, пламень в груди, невероятный талант, - все это про юного Александра Сергеевича Пушкина. Молодой актер Никита Лисунов не просто прекрасно справляется с непростой ролью своего экспрессивного персонажа, но и даже имеет с ним внешнее сходство. А слышали бы вы прочтение стихотворения "Воспоминания в Царском Селе", - весь зал слушал, затаив дыхание. Мы видим поэта не таким, каким привыкли его представлять. Молодой человек, мальчишка, хулиган, он еще сомневается в своем творчестве, влюбляется, озорничает со своими друзьями, но в то же время уже терзается мыслями о судьбе крестьян и России в целом. Эпизоды сменяют один другой: Александр с няней, в "келье" √14, в лицейском саду, в гостях у Чаадаева, на экзамене в Лицее, в окружении выдающихся деятелей в области литературы. Однако, эти документальные картинки перемежаются с фантазиями автора пьесы, что оставляет место для размышлений, для создания собственного образа поэта.

Есть в спектакле несколько персонажей, которые придали постановке особую глубину, драматизм и очарование. Во-первых, это, конечно, няня поэта Арина Родионовна. Александр Сергеевич ласково называл ее "матушкой", персонаж, как мы все знаем, реальный. Многие годы она была чуть ли не самым родным для поэта человеком. Но Светлана Щеголькова вложила в свою героиню столько тепла, веры, надежды и любви, хотелось выйти на сцену, да сесть в полумраке с ней на лавочке под иконой. Возможно, это образ самой России-матушки? Во-вторых, крепостная Маша, которую сыграла Виталина Отраднова. Персонаж вымышленный, казалось бы, малахольная девица, ну а если посмотреть с другого угла - простоватая, искренняя, бесхитростная, доверчивая, чистая как русская душа. Так и Пушкин относился к ней - целовал руки и называл "своей сестрой". Ну и в-третьих, Фекла в исполнении Натальи Михеевой, которую юный поэт встретил в саду Лицея. Ее сына убили после долгой и честной службы его же сослуживцы. Тоже вымышленный персонаж, но Наталья Михеева своим мастерством вывела эпизодическую роль на первый план. Да и мне кажется, что это один из основных персонажей. С кем можно сравнить убитую горем мать, практически никем не видимую женщину, которая ходит на могилу петь своему погибшему сыну колыбельную?.. Вот они, три музы великого поэта: Россия, русская душа и вера!

Спектакль "Ученик лицея" в Историко-этнографическом театре поистине прекрасен, его можно еще долго разбирать на фрагменты, персонажей и символы. Но самое главное, что школьные группы которые были в зале, с интересом его смотрели, ну а на фрагментах, когда Пушкин проказничал с друзьями, тоже смеялись и радовались. Как было бы здорово, если бы таких постановок было намного больше, чтобы школьники чаще на них ходили. Только так им можно привить хороший вкус, любовь к русской истории и литературе. Что касается тех, кто школу оставил далеко позади, тем особенно полезно погрузиться в давние школьные времена, обновить знания и немного пофантазировать. Очень рекомендую к просмотру, особенно с детьми.

Как важно быть кому-то нужным, как важно верить и любить.
А также важно это чувство
В себе найти и научиться делиться им, другим дарить.
Так красиво спектакль напомнил о простых вещах. О том что лучше всего люди учатся ценить жизнь, только понимая,что она конечна. Радоваться отведенным минутам, мелочам, наполняющим наши будни и ценить тех кто рядом. Часто сложно оставаться собой, под давлением чужих ожиданий. Остаться собой и не сломаться. А если всё же сломался, то найти в себе силы продолжить борьбу. Нужно всего лишь посмотреть на небо и увидеть солнце, исцеляющие божественные лучи. Найти в себе силы продолжить жить, помочь тому, кто в этом так же нуждается как и ты. Просто обнять и дать другому почувствовать, что он нужен, что он для тебя исключительно важен. И в этом смысл и суть бытия. Быть нужным кому-то, быть лучом света, пусть даже в самой темной душе, в которой пустота "размером с Бога", вот истинное удовольствие и радость.
Красота образов, заворожила. Кажется, каждое движение и каждый жест наделены смыслом. И даже папа Римский, то снизу, то сверху, несёт глубокую смысловую нагрузку. Какую? Для каждого свою конечно. Цвет,свет, образы завораживают. Обволакивающий дым погружает в транс, в котором Бог солнце Ра зовёт тебя, зовёт наполниться энергией и теплом. Он обнимет и заставит нести обнимашки в мир, делиться этой божественно простой энергией.

Хорошо помню, как, в годы перестройки, населению СССР разрешили прочесть "Скотный двор" Джорджа Оруэлла. Ключевое слово здесь "разрешили". Тогда очередная революция в очередной раз сносила все на своем пути, в уверенности, что ее путь самый верный. В результате, что получилось, то получилось.
Интересно, что именно сейчас Юрий Грымов решил в театре "Модерн" поставить спектакль, основанный на повести Оруэлла. Пьесу написала Марина Сулчани, сценография Марии Соловьевой и Юрия Грымова, костюмы Кати Никитиной. Первое, что бросается в глаза, это костюмы. Костюмы, позволяющие актерам с невероятной достоверностью перевоплощаться в свиней, лошадей, овец, кур и прочих пернатых. Абсолютно великолепны высшие партийные животные - свиньи с клочками противной щетины на жирных спинах (Александр Колесников, Александр Сериков, Александр Борисов). Очаровательны овечки как до, так и после стрижки (Василиса Кашуба, Маина Чижевская и Кристина Левченко). Каждое животное наделено индивидуальностью и характерной пластикой. Наблюдать за работой актеров театра "Модерн" истинное наслаждение. Но этот спектакль Юрий Грымов ставил отнюдь не для того, чтобы доставить зрителям удовольствие. Напротив: скотный двор отвратителен, причем отвратительны и свиньи и люди, готовые превратиться в свиней. Другие, порабощенные свиньями животные, вызывают симпатию и сочувствие. Прекрасен Юрий Анпилогов в роли недалекого трудяги Коня Боксера. Незабываема Марина Дианова в роли Лошади Кловер умной, любящей и преданной спутницы Боксера. А как яростно кокетлива Марианна Канивец в роли Глупой гнедой кобылка Молли! Петух Питер (Роман Зубрилин) и его курочки Элис (Александра Богданова) и Карри (Мария Кондратова) выступают по сцене с характерной походкой и повадками отряда курообразных. В спектакле кажется задействована вся труппа театра, выделить лучших просто невозможно, глаз цепляется то за один, то за другой персонаж, выхватывая его из стада животных. Разум зрителя мечется между эстетическим наслаждением от работы актеров и отвращением от революции происходящей на скотном дворе. Сценография подчеркивает и усугубляет мрачность и грязь фермы мистера Джонса, миссис Джонс и их освинячившегося сыночка Вилли (Алексей Баранов, Надежда Меньшова, Вильдан Фасхутдинов ). Жуть от происходящего нагнетают и композиции Led Zeppelin и Pink Floyd, а Песня "Pigs" из альбома "Animals" стала символом постановки.
Спектакль Грымова, как и повесть Оруэлла насыщен иносказаниями и аллегориями, режиссер говорит с нами на эзоповом языке, опираясь и надеясь на культурный багаж зрителей, приходящих в его театр.

"Разбросанным в пыли по магазинам,
Где их никто не брал и не берет,
Моим стихам, как драгоценным винам,
Настанет свой черед."
© М.И.Цветаева, 1913 г.

Я всегда писала стихи, чтобы выплеснуть на бумагу свои чувства, как правило, - печаль. То есть, когда эмоции били через край, я писа́ла. Обратная же сторона - чтобы писать, мне постоянно нужно было находиться в состоянии эмоционального надрыва. Учитывая мою эмоциональность и восприимчивость, это было несложно. Возможно, именно поэтому мне так близки Ахматова и Цветаева, их поэзия, что я понимаю внутреннее состояние поэтесс, в котором реальность постоянно гиперболизируется, и не отпускает непроходящее ощущение тревоги и тянущей душу печали. Сейчас такой "эффект прожектора" уже не в моде, на каждом углу нас учат позитивному мышлению в любых ситуациях, что очень правильно, хоть, порой, и ужасно сложно. Век романтизма ушел, сейчас другое время, другие взгляды, но люди все те же, и души тянутся к раздирающим сердце строкам тех поэтесс, что каждое слово своей поэзии искупали в собственных слезах, на которые, к огромному сожалению, судьба дала им по-настоящему страшные причины.

Недавно я посмотрела в Театре "Школа Драматического Искусства" замечательный спектакль "Молитва о Марине" по произведениям Марины Цветаевой. Продолжительность постановки всего час, в ней нет иммерсива или каких-то других модных дополнений, но каким-то образом в ней есть эффект полного погружения в жизнь поэтессы. Автору идеи и одновременно исполнительнице главной роли Ольге Малининой удалось создать воронку, поглощающую внимание зрителя, засасывающую в эмоциональный вихрь произведений Цветаевой. К тому же, этому способствовало состояние, близкое к трансу, создаваемое рядом музыкальных инструментов, названий которых я, к сожалению, не знаю, но Антонио Грамши владел ими виртуозно. На протяжении постановки эмоциональный надрыв увеличивался все больше, отдаляя от понятного земного и через страдания сближая с неземным, божественным. В какой-то момент, встав на колени перед старыми фотографиями*, Цветаева обратилась к ангелу, к Богу, к небесам! В этот момент именно мне повезло сидеть так, что позади нее висевший инструмент, кажется - гонг, так удачно расположился вокруг ее головы, что выглядел как нимб на иконе. "Словно Богоматерь", - подумалось мне. Вы же помните, что она еще и ребенка похоронила?.. Необычное окончание спектакля создало ощущение незавершенности, продолжения жизни, но уже не земной, а какой-то другой - небесной или в наших сердцах.

Когда спектакль начался, мне показалось, что стихотворения идут от более ранних к более поздним в хронологическом порядке, и даже дома выстроила по датам те, участие которых в постановке запомнила: "Декабрь и январь" (1911), "Легкомыслие! — Милый грех…" (1915), "Я бы хотела жить с Вами…" (1916), "Я тебя отвоюю у всех земель, у всех небес..." (1916), "Зверю — берлога…" (1916), "Даниил" (1916), "В лоб целовать — заботу стереть…" (1917), "Цыганская свадьба" (1917), "Я помню ночь на склоне ноября…" (1918), "Два дерева хотят друг к другу…" (1919), отрывки из "Повести о Сонечке" (1937-1939) и из "Моего Пушкина" (1937), "О слезы на глазах…" (1939), и даже такое совсем крошечное, но еще более вместительное по смыслу "Пора снимать янтарь…" (1941). Но, кажется, ошиблась. И все же звучало очень гармонично, постепенно раскрывая сердце Марины Цветаевой через ее произведения. Конечно, восприятию спектакля очень помогло знание биографии поэтессы, хотя и тем, кто не знает, спектакль понравится, просто будет восприниматься немного иначе. А вот я иначе восприняла главную героиню - Марину Цветаеву в исполнении Ольги Малининой. Она всегда казалось мне сложной, мрачной, неулыбчивой, малоэмоциональной внешне, достаточно резкой, грубой, принципиальной и закрытой. Сложно описать ощущения, и вполне возможно, что я не права, но такую Марину Цветаеву я всегда читала в ее стихах. Однако, в спектакле я увидела открытую, эмоциональную, легкую, улыбчивую, нежную девочку, порхающую по сцене. Нет, это не она... Но посмотреть на нее иначе тоже было открытием. В конце концов, каким только я не видела Маяковского на театральных сценах.

Думаете, что час слишком мало? Вы поймете, что это идеальное время для этой постановки. Ни стихи, ни моноспектакль, ни глубокие сильные эмоции никто не выдержит более продолжительное время, это действительно было бы слишком тяжело для восприятия. Это не чтецкий вечер, где разные поэты делятся своим творчеством в разных стилях. Это бесконечно глубоко наполненная трагедией и не принесшей счастья любовью жизнь удивительной сильной женщины, записанная в прозе и стихах. Спасибо Театру "Школа Драматического Искусства" и Ольге Малининой за великолепный спектакль "Молитва о Марине". И закончу отрывком из стихотворения Марины Цветаевой "Занавес":

"Нате! Рвите! Глядите! Течет, не так ли?
Заготавливайте — чан!
Я державную рану отдам до капли!
(Зритель бел, занавес рдян).

И тогда, сострадательным покрывалом
Долу, знаменем прошумя.
Нету тайны у занавеса — от зала.
(Зал — жизнь, занавес — я)"

* Имелось в виду, что на фотографиях родные Марине Цветаевой ушедшие люди. На самом деле, к Цветаевой они никак не относятся, но сами фотокарточки архивные, подлинные, с современниками поэтессы.

Есть в здании театра "Школа драматического искусства" волшебное место - зал Глобус. И живут в нем абсолютно волшебные спектакли. Что не спектакль, то сказочный подарок. На этот раз я увидела "Каменного ангела". Удивительно: "Каменный ангел" поставлен почти шестнадцать лет назад, но все так же ярок, как и в день премьеры. А может быть даже и лучше стал, как марочное вино, выдержанное в бочках, приобрел особую тонкость и гармоничность.
У цветаевской пьесы "Каменный Ангел" несчастливая судьба: ее то теряли, то находили и практически никогда не ставили на сцене. Не знаю даже до Игоря Яцко решался ли кто-нибудь донести это чарующее произведение до зрителей. Спектакль "Каменный ангел" в театре "Школа драматического искусства" создали потрясающие художники. Каждый момент, каждую мизансцену хочется украсть и унести с собой, чтобы потом наслаждаться в одиночестве этой невероятной красотой. Даже не знаю кто больше "повинен" в том: художник-постановщик Игорь Попов, а может художник по костюмам Вадим Андреев, возможно художник по свету Иван Даничев или художник Ольга Левенок. Красота этого спектакля едина. Ее нельзя расчленить, выделив что-то особо. А в какое волшебное музыкальное оформление погрузил действие Петр Айду. Не хватает слов, чтобы отразить всю глубину ощущений, которые дает звучание клавесина, колоколов, лютни, органа и даже такого экзотического ныне инструмента как тамбур-пайп. Пластическое решение спектакля (хореограф Рамуне Ходоркайте) гармонично переплетается с действием, сценографией и колдовским цветаевским словом.
Извечную цветаевскую дилемму двух любовей: "небесной" и "земной" раскрывают перед нами талантливейшие актеры театра "Школа Драматического Искусства". За земную, плотскую любовь отвечают злая колдунья Венера (Екатерина Аликина) и ее ветреный сын, юный и капризный красавчик Амур (Федор Леонов). Небесная оживает в Ангеле (Евгений Поляков), дающем забвение от любви женщинам маленького германского городка. И только Аврора (Ольга Бондарева) влюблена в каменное изваяние. Она оказывается в эпицентре борьбы за её душу и рассудок, и не узнает Ангела, спустившегося к ней, чтобы выпутать из нитей заговора, затуманившего разум. Белой голубкой, символом Богоматери, вырывается из рук Авроры ее сынок. И зрители почти материально ощущают пронзительность чувств Авроры, её боль, восхищение, радость и печаль.
Цветаева умела словом магически преобразовывать действительность. Создатели спектакля "Каменный ангел" сделали цветаевское слово видимым и материально ощутимым.
Почему-то "Каменный ангел" очень редко показывают, а его просто необходимо увидеть каждому, чтобы напитаться невероятной, почти небесной красотой.